UN CADAVER EN LA PECERA. MARCO EVARISTTI.

Articulo del periodico Ideal de Granada. Leed y opinad.

"Gene Wilford Hathorn Jr., condenado a muerte en el estado de Texas por haber asesinado a tiros a su padre, a su madrastra y a su hermanastro en octubre de 1984, servirá para alimentar a 300 carpas en un acuario gigante instalado en una galería de Nueva York por el artista Marco Evaristti.

Gene Hathorn lleva 24 años y medio en el corredor de la muerte del presidio de Huntsville (Texas) donde su cómplice en el triple homicidio, James Lee Beathard, fue ejecutado mediante una inyección letal el 9 de diciembre de 1999.

En la actualidad, Hathorn está a la espera del veredicto de un último recurso de apelación. De no prosperar, Gene Hathorn será también ejecutado mediante la inyección en su organismo de tres compuestos químicos distintos.

En su testamento ha dispuesto ya que su cuerpo sea entregado al artista chileno afincado en Dinamarca Marco Evaristti (Santiago de Chile, 1963).
Evaristti trasladará el cuerpo en avión hasta Alemania, donde, en una empresa especializada, congelará el cuerpo de Hathorn hasta convertirlo en un frágil bloque de hielo seco. Tras triturarlo, prevé que pequeños fragmentos del cadáver del asesino sean utilizados por los visitantes a una muestra contra la pena capital instalada en Nueva York.

Con ellos alimentarán a 300 carpas doradas contenidas en un acuario gigante. Marco Evaristti conversó con IDEAL desde su casa en Aalborg (Dinamarca) antes de salir de viaje para Bangkok, donde pasa cinco días cada mes en su taller de escultura en bronce. «Mi relación con Gene es íntima.

Todo lo íntima que permiten mis turnos de visita: cuatro horas durante dos días cada dos meses. Hablamos de su vida, de la cárcel, le cuento lo que pasa fuera, mis trabajos... Ahora no tiene derecho a leer y sólo puede escuchar la BBC de 5.00 a 5.30 de la tarde. Es muy inteligente, una biblioteca andante. Yo soy su única ventana al mundo. Está encerrado en vida, lo han convertido en un animal», explica este chileno educado en Israel. «Nuestro primer contacto fue por correo.

Hace unos años organicé una exposición. Metí peces dorados dentro de batidoras. El espectador decidía si apretaba el botón o no; los visitantes tenían el poder sobre la vida o la muerte de los peces. Recibí muchas críticas que me llamaron asesino, que me criticaban por ajusticiar animales. Decidí convertirme en un artista que alimenta peces. Me interesé por la pena de muerte.

Así me enteré del caso de Hathorn. La primera vez que nos vimos tras el cristal, me eché a llorar. Le ví atado con cadenas de pies y manos, dentro de su mameluco naranja. Le dije que no podía estar con él, que me destrozaba verle así. Me respondió: 'Mario, no te preocupes, te entiendo. Me alegra conocerte'. Ahora almorzamos juntos, hablamos -a través del teléfono, claro- y me cuenta su vida antes de la cárcel, su niñez...».

Gene Hathorn se declara «no inocente» y reconoce su participación en el triple asesinato de sus familiares para hacerse con los 150.000 dólares de una herencia. Hathorn y su cómplice usaron una pistola 380 y un minirrifle Ruger del calibre 14 con los que dispararon, hasta causarles la muerte, contra Gene Hathorn senior (45 años), Linda Sue Hathorn (35) y Marcus Hathorn (14). Los tres se encontraban en el interior de la autocaravana donde vivían.

«Mi primera idea -dice el provocador artista chileno- fue diseñar ropa para que fuera usada por los presos durante las ejecuciones. Una ropa decente, moderna. La pena de muerte es tan brutal, tan primitiva... había que hacerla más sofisticada, más delicada. Matar, sí, pero con estilo. Diseñé 40 vestidos muy llamativos. Al tratar de entregarlos descubrí que la Justica de Estados Unidos trata los cadáveres de los ejecutados como desperdicios humanos. Decidí reciclar los cuerpos. Hay presos que donan sus cuerpos a la ciencia. Yo pretendo hacer un experimento artístico. Gene Hathorn aceptó cuando le presenté la propuesta.

Así consta en su testamento, y deberán respetarlo, porque es su última voluntad», señala Evaristti.La violencia, la muerte, es un tema recurrente en sus obras. Hace unos años Evaristti, que ha sufrido dos graves accidentes de tráfico, presentó un Ferrari con un «finado» dentro. En otra controvertida decisión artística se hizo una liposucción y, con la grasa obtenida y carne, preparó unas albóndigas que cocinó y se comió en un 'happening'. El resto las envasó con la etiqueta 'Cómeme, soy arte'. Las latas de 'Polpette al grasso di Marco', como bautizó al plato elaborado a partir de su propio cuerpo, se vendieron a 3.000 euros. «Estados Unidos va a asesinar a un ser viviente, sano e inteligente.

Es un tema mucho más delicado que convertir basura en alimento para peces», protesta Evaristti. «Él se declara 'no inocente' y está de acuerdo con ser castigado de por vida. Dice que se merece ser enterrado en la cárcel, pero no asesinado por el Gobierno estatal.
La pena de muerte es demasiado primitiva y medieval. Los artistas debemos reflexionar sobre esto. Preguntarnos por los principios que rigen nuestras vidas», apunta el artista.Como primer paso, y a la espera de la apelación judicial, Evaristti construye en Nueva York un acuario de tres metros de longitud donde alojará unos 300 peces dorados.

Un reloj digital, situado en el espacio delantero de la instalación, irá contando las horas que el convicto ha pasado en el corredor de la muerte, unas 214.560, según las estimaciones de Mario Evaristti. «El acuario, donde meteré también peces dorados, se convertirá en un cementerio. Hathorn lleva miles de horas esperando a que lo maten.

Ahora, cientos de peces van a morir si no se les alimenta con el cadáver de Gene Hathorn. A ver si lo matan para salvar a los pescados. Ha sido torturado durante casi 25 años. ¿Cuánto tiempo más va tener que estar esperando?».
Marco Evaristti es un artista controvertido. Intentó pintar de rojo los Alpes, fagocita su grasa con miras artísticas, denuncia que las sustancias químicas que se emplean en las ejecuciones por inyección letal en Estados Unidos «fueron inventadas por los nazis» y se fotografía remedando a un Cristo sometido a una felación por una mujer desnuda con la cabeza cubierta por un velo islámico. «Tengo todo el derecho a crear lo que se me ocurre», se defiende.

El mes pasado, sus diseños para presos condenados a muerte y bautizados como 'The last fashion' (La última moda), fueron presentados en la Semana de la Moda de Copenhague. Marco Evaristti estudió en Israel y Chile y se formó como artista en la Real Academia de las Artes de Dinamarca, país en el que reside desde 1980. Está casado y tiene dos hijos. «No soy chileno ni danés. Soy de todas partes. Al final, todos somos poco más que monos con el intelecto desarrollado», ha declarado el artista.La única imagen reciente conocida de Gene Hathorn es el retrato que se reproduce en estas páginas. Fue realizado de memoria por Evaristti tras sus visitas al condenado. En el corredor de la muerte está prohibido tomar fotografías.

REFLEXION

A lo largo del tiempo la vida te va convirtiendo en un conformista, el halo de ilusiones se va desvaneciendo con el paso de los años y pasas de querer ser astronauta, detective, bailarina, pintor... a creer que ya no podrás hacer nada importante en el mundo y que realmente estas destinado a ser funcionario.

No creo que ningún niño al preguntarle su maestra en el colegio desease ser funcionario y hablo desde el punto de vista de que la labor de oficina deja muy poco para el campo de la creatividad a no ser que selles los documentos dándole un giro a tu muñeca con un aire ligeramente flamenco o hagas dibujitos en la espuma del café de media mañana...

Incluso en nuestro circulo, cuando ya creemos haber encontrado nuestro sitio, debido a nuestra incultura y desinformación, nos convertimos en unos mediocres al servicio de otros mediocres que vamos reduciendo nuestro nivel de adquisición de ideas hasta ser personas asequibles, normales y parte de un sistema que reserva la plena felicidad para unos pocos y nos promete una pseudofelicidad a otros muchos, adornándola con románticas ideas utópicas de que los momentos trágicos, difíciles e insufribles nos harán mejores personas.

Llevas trabajando 7 años detrás de una barra para asegurarte una independencia, una libertad y una carrera, donde las ganas son fantasmas que se encuentran tanto delante como detrás de los púlpitos.

Trabajas seis días a la semana cobrando una miseria que no te llega ni para la mitad de materiales, la facultad sigue como siempre y el personal se queja y se queja y tu solo te quejas como se queja el personal.

Y tu sigues soñando y seguirás dando todo lo que puedas por demostrar que este rápido paso del tiempo te ha dado sabiduría en vez de conformismo, seras mas consciente de tus posibilidades y limitaciones que unas veces te impondrás tu y otras veces la impondrán los demás, descubrirás la comparativa negativa y en vez de aprender de ella y te iras encogiendo poco a poco hasta no ser mas que una pulga en el país de las maravillas...

LA PIEL EN LA MIRADA

La fotografía , mi asignatura pendiente , nunca mejor dicho, porque tenerla (por unas causas u otras) la tengo pendiente.

Siempre he admirado la capacidad de captar instantes y que esos instantes tengan algún tipo de interés. Antiguamente se creía que al ser fotografiado te robaban el alma y si alguien es culpable de brujería Juan José Gomez Molina , lo es sin ningún tipo de duda.

La autenticidad que nos da la desnudez , como individuos, como personas únicas con nuestros defectos y virtudes, mostrándonos como mapas de carretera marcados en medida de lo largo o duro que este siendo nuestro viaje.

Sin prendas que nos arropen, que nos protejan, que nos ayuden a decir o explicar quienes somos y que queremos o que hacemos.

Y como único y ultimo recurso la mirada, la pose intentando darte explicaciones no pedidas debido a la vergüenza y a la sensación de fragilidad que nos invade cuando no tenemos ningún sitio donde escondernos que no sea nuestra propia piel.

A todos desde pequeños nos han enseñado a relacionar el cuerpo desnudo con la intimidad y el sexo y a que no debemos ir despelotandonos ya sea por norma social o por simple respeto a nosotros mismos.

Gomez Molina nos muestra esa intimidad con tal naturalidad que no nos deja caer en el morbo de lo prohibido, sino en un dialogo en el que sentirnos identificados y llevarnos a reflexionar en lo grandes y pequeños que podemos llegar a ser si nos despojan de nuestra “identidad”...

UNO DE MIS TRABAJOS DE CLASE

Aquí os muestro parte de mi proyecto de pintura de segundo, del que en un principio estaba bastante contenta y orgullosa y al cabo del tiempo me ha dejado de gustar, de hecho me di cuenta de que estaba inacabado y que no esta muy bien realizado.

En fin, para empezar la genialidad no se poso en mi hombro en el momento de mi nacimiento, así que tendré que conformarme con que me visiten las musas de vez en cuando e ir aprendiendo poquito a poco, ya que ganas no me faltan.

La temática escogida fueron las Parcas o Moiras:

El resultado final fueron cinco cuadros, uno de ellos era de mayor tamaño y de el dependía el sentido del resto.

En ellos se mostraban dos manos manipulando a recién nacidos, como si de títeres predestinados se tratasen, los niños tenían un aspecto enfermizo casi fúnebre , algunos incluso parecen muñecos colgados y atados de sus propios cordones umbilicales.

El cordón umbilical representaba el hilo de la vida (el color del hilo determinaba una vida feliz o una vida desgraciada), representarlos colgados y atados fue una forma de reforzar la falta de libertad.

Utilice principalmente colores fríos ya que entendí esa predestinación como una no vida, una ruleta rusa donde por mucha intencionalidad y pasión que hubiese, el cambio y la elección se transformaban en utopías.

Escogí un formato de tamaño mayor para las manos de la Parca, y formatos menores para los bebes intentando reforzar así la idea de superioridad y de autoridad que las parcas tenían como figura mitológica ( ya que estaban incluso por encima de los dioses).

La colocación de los cuadros siguen una pirámide invertida ,encontrándonos la Parca en la base de la pirámide y el bebe fallecido en el extremo opuesto, tratando de nuevo el tema del hilo de la vida, el principio y el final, jugando con la pirámide invertida y no sabiendo realmente que es el principio o el final, si la muerte o la parca en si misma.

Desestime la idea de representar a la Parca de una forma figurativa, no quería humanizarla bajo ningún concepto, no quería darle esa posibilidad al espectador de relacionarla con ningún estereotipo y menos otorgarle ningún tipo de sentimiento.

Finalmente la represente pintando únicamente dos pequeñas manos de las que surgen cuerdas que a su vez vuelven a repetir una pirámide ( esta vez sin invertir).

La técnica utilizada en todo el proceso fue mixta ( acrílico-oleo).

Y si la intención hubiese sido lo único que contaba ,la idea hubiese salido mejor pero el temido factor tiempo y técnica la acompañaban..

EXPOSICION AUTOMATAS Y PERSPECTIVA

Siempre he tenido una extraña debilidad y fijación ( véase palabra fijación en el buen sentido), por los títeres.
Compañías de teatro como “etcétera” siempre han tenido mi mas sincera admiración ya sea por escenografía, originalidad y su increíble capacidad de llevar un espectáculo normalmente dirigido a los mas pequeños y dejar ensimismado a los mas grandes.

En autómatas nos encontramos con un gran pabellón lleno de miles de historias contadas por instantes , personajes llenos de vida respirando, bailando movidos por unos engranajes...El espectador como si de un dios se tratase va dándole a los botoncitos, lo que a mi personalmente me encanta y ya esta el milagro hecho.

Desgraciadamente cuando acudí, algunas escenas ya no funcionaban, supongo que es lo que acarrea el tema de la interacción en mecanismos con cierta sensibilidad al desgaste y que este tipo de exposiciones suelen estas dirigidas a los niños y a los que somos menos niños nos gusta de más darle a los botoncitos...

Aparte nos podemos encontrar con títeres de gran tamaño como el impresionante esqueleto de dinosaurio realizado por la compañía “etcetera” y diversas obras para mirar no por ello menos interesantes.

Eche de menos un taller para adultos, pero te dejan una microbliblioteca donde puedes consultar algunos títulos sobre como fabricar tu propio autómata.

Apta para amantes de los viajes, soñadores y porque no, para personajes con “extrañas” fijaciones como la mía...

Y siguiendo la ruta , entramos en “Perspectiva “ ciencia y magia de la representación... y como si todo fuese bueno, no lo sabríamos distinguir, me toco el haba ( al que le toca la paga).
En esta exposición encontramos un recorrido a lo largo de la historia de la perspectiva encontrándonos con diversos artilugios utilizados por los pintores hasta ejemplos de anamorfosis, trampantojos etc...

La encuentro correcta y pienso que su pobreza en ejemplos, su falta de sorpresa y la poca interacción con el espectador es debida a que esta dirigida a visitas escolares y a que el parque de las ciencias a mi parecer esta reduciendo cada vez mas la edad de sus visitantes y se dirige a un publico cada vez mas joven olvidándose de los mas grandes.

Si ya has pagado la entrada del parque, no encuentro ninguna razón para que entres a ver la exposición, ya por la colaboración de Juan Jose Gomez en grabados y fotografías, que algunos artilugios son curiosos y para mi novedosos y porque de todo se aprende. Pero ir exclusivamente a verla creo que provoca por lo menos en mi caso la sensación de que esta inacabada y un poquito de decepción.

Nosotros aprovechando el día, también fuimos a “Antartida” donde te dan la posibilidad de tocar un cúbito de hielo gigante y meterte en una nevera como si fueses un chuletón a no se cuantos grados bajo cero para pasar frió (como si todavía nos quedasen ganas) y “El cuerpo Humano” un poco mas curiosa donde lo mas interesante eran los cuerpos reales mostrando la musculatura y anatomia y un corazón gigante de ballena...

Debido a que era domingo y cerraban antes no nos dio tiempo a nada mas, pero todavía me queda la de Darwin, a ver si no me decepciona.

ALGUNAS DE MIS FOTOGRAFIAS

Estas son algunas de mis fotos, con una de las canciones de la banda sonora de la película Cinema Paradiso. Algunos pensaran que abuso un poco del blanco y negro, pero supongo que es una manía o simplemente una preferencia. Espero que os guste.

BIENAL DE ARTE CONTEMPORANEO DE SEVILLA "YOUNIVERSE"

Aunque normalmente prefiera acudir a las exposiciones sola, en este caso, debido a las distancias y al día de lluvia que había amanecido, decidimos que la unión hace la fuerza y después de un rico zumillo de naranja a casi tres euros de precio emprendimos la subida a pie hacia el palacio de Carlos V.

Cuando acudes a una exposición de arte contemporáneo, es como si comieses un roscón de reyes con muy buena pinta, pero que si te despistas te toca el haba la pagas y el rey mago te da la impresión de que nunca existió o se lo llevo el que vino antes. En este caso me toco el rey mago.

Después de gritar unas cuantas veces como guiri por su casa para comprobar una vez mas la excelente acústica del patio del palacio de Carlos V ..

Descubrimos una interesante e original exposición en un marco inmejorable. El conjunto de obras seleccionadas, dan para mi gusto justicia al titulo “youniverse” ya que crean de una forma u otra micro mundos, por los que tu vas paseando provocando interés, sorpresa y admiración ...

Al igual que en todas las exposiciones hay obras que llegan mas y obras que llegan menos pero claro, gustos como colores. La tecnología al servicio del arte demostrando que no son incompatibles que una flor robot puede ser tan aparentemente frágil y delicada como cualquier otra efímera.

Los materiales al servicio de la obra en el caso del impresionante toro realizado con neumáticos, la interaccion y el juego en el caso de la sala de proyecciones donde tu puedes tener el control de todo y el romanticismo de las peceras llenas de libros ...

Exposición recomendada, tanto para entendidos como para los que no lo somos, eso y después unas cañitas en calle Elvira aunque sea en un día lluvioso te cambia las miras y te pone un poquito mas contento...

DELIVERY. TILL NOWAK

Me parecía interesante ver un ejemplo de corto de animación para mi impresionante. Su autor, Till Nowak nacio en Bonn en 1980 y es fundador de la empresa Framebox.

La farlopa de Kate Moss o el entierro de la rana

Articulo de Arturo Perez Reverte. XL Semanal. 9 Noviembre 2008.

Hay que ver lo que inventa el hombre blanco. Y lo que le gusta hacer el chorra. Hojeaba una revista de arquitectura y diseño, en su versión española, cuando me tropecé con un reportaje sobre cómo un profesional del asunto tiene decorada su casa. Vaya por delante que en casas de otros no me meto, y que cada cual es libre de montárselo como quiera. Pero en esta ocasión la casa del antedicho la habían sacado a la calle, por decirlo de alguna forma. Su propietario la hacía pública, abriendo sus puertas al fotógrafo y al redactor autores del reportaje. Quiero decir con esto que si, verbigracia, un fulano va a mi casa a tomar café y luego cuenta en una revista cómo está decorada la cocina, tengo perfecto derecho a mentarle los muertos más frescos.

Otro asunto es que yo pose junto a las cacerolas y el microondas consciente de que van a ser del dominio público. Cada cosa es cada cosa, y ahí no queda sino atenerse a las consecuencias. Que luego digan, por ejemplo, que de decorar cocinas no tengo ni puta idea. O que mi gusto a la hora de elegir azulejos es para pegarme cuatro tiros.

Y, bueno. En ese reportaje al que me refería antes, un diseñador, que por lo visto está de moda, posaba junto a un elemento plástico de su vivienda. Ignoro si el objeto en cuestión era permanente, como cuando se cuelga un cuadro o se pinta una pared, o si era de quita y pon, y estaba puesto allí sólo para la ocasión; aunque el texto que acompañaba la imagen daba a entender que era decoración fija: «Fulanito –decía el pie de foto– escaneó esta imagen de Kate Moss que dio la vuelta al mundo y que a él le impactó de forma poderosa. Luego la fotocopió ampliada y la pegó a trozos en el salón». Lamento que esta página no permita añadir ilustraciones, pues les aseguro que ésta merecía la pena: unos cojines como de tresillo de sala de estar, y encima, donde suele colgarse el cuadro cuando hay cuadro, o las fotos de la familia, troceada en seis partes y sujeta a la pared con cinta adhesiva, la imagen de Kate Moss –que como saben ustedes es una top model algo zumbada, a la que suele moquearle la nariz– sentada en un sofá, toda rubia, maciza y minifaldera, en el momento de prepararse unas rayitas de cocaína.Yo no he ido a buscar esa escena, que conste. Me la han puesto delante de las narices en una revista que he pagado. Tengo derecho a decir lo que opino de ella, pues supongo que, entre otras cosas, para eso la publican. Lo mismo hacen ustedes con mis novelas, cuando salen. Opinar. O en el correo del lector, con estos artículos. Hablamos, además, de un elemento ornamental situado estratégicamente en lugar destacado de una casa modélica, o sea. O que lo pretende.

La de un diseñador conocido, profesional del ramo, quien considera que, para su propio hogar, la imagen más adecuada, junto a la que posa, además, con pinta de estar en la gloria fashion, es la de una pedorra dispuesta a darse, en público, un tiro de farlopa. Y no hablo del aspecto moral del asunto, que me importa un rábano: Kate Moss y sus aficiones son cosa de ella y de su chichi. Lo que me hace gotear el colmillo mientras le doy a la tecla, es que mi primo el diseñata, que por lo expuesto va de original y esnob que te rilas, colega, nos venda el asunto como el non plus ultra de lo rompedor y la vanguardia torera.Y no me expliquen el argumento, por favor, que lo conozco de sobra. Iconos del mundo en que vivimos, y demás. Kate Moss, muñeca rota de una sociedad desquiciada e insegura, etcétera. El símbolo, vaya. El icono y tal. La soledad del triunfador y otras literaturas. De esos iconos conocemos todos para dar y tomar, para escanear y pegar con cinta adhesiva y para proyectar en cinemascope. A otro cánido con ese tuétano.

Nuestra estúpida sociedad occidental tiene la tele, y las revistas, y las casas, y los cubos de la basura atiborrados de toda clase de símbolos. De iconos, oigan. Hasta el aburrimiento. Se me ocurren, de pronto, medio centenar de iconos mucho más representativos del vil putiferio en que andamos metidos. Pasé gran parte de mi vida coleccionándolos para el telediario. Por eso, lo que más me pone es lo del impacto. La imagen de Kate Moss «que a él le impactó de forma poderosa», dice el texto. Hay que ser elemental, querido Watson, para sentirse poderosamente impactado por la imagen de una frívola soplacirios a pique de meterse una raya. Y encima colgarla en el salón para que la admiren las visitas y le sirva a uno como escaparate de lo que profesionalmente lleva dentro. Así que, una de dos: o ese diseñador se lo cree de verdad, lo que sería revelador sobre su criterio estético y su trabajo, o se maquilla la cara con cemento, tomándonos a todos por gilipollas. Aunque entreveo, también, una tercera posibilidad: que él mismo sea un poquito gilipollas, alentado por un mundo que aplaude a los gilipollas.

Programación de la asignatura.

Aun pareciéndome bastante correcta la planificación de la asignatura, pienso que esta enfocada en términos muy generales y me cuesta bastante concretar en algunos puntos que es lo que espero y se espera de mi en esta materia.
No obstante, encuentro muy interesante el planteamiento enfocado a través de un blog, así como la propuesta de investigación acudiendo a exposiciones, charlas y conociendo mas en profundidad a otros artistas, que nos aportan un campo de visión mas amplio al que normalmente estamos acostumbrados.
Sin embargo si tuviera que añadir o citar algo que echase de menos, seria lo siguiente:
En los objetivos generales, aparte de asimilar los códigos generales del lenguaje autónomo de la pintura, añadiría desarrollar la técnica con clases teóricas y practicas desde un punto de vista mas especifico. Trabajar desde la pincelada, la configuración del espacio, hasta los errores mas comunes que solemos cometer y así avanzar hasta un resultado mas personal , subjetivo y con la calidad de un trabajo pensado y meditado.
En un primer momento estoy de acuerdo con la dinámica habitual de contacto con el medio y el planteamiento de un proyecto personal, así como creo que con mas conocimientos y con otro tipo de dinámica el trabajo de pintura del natural sera mas fructífero ya que en este punto yo no me encuentro muy motivada.
Respecto al proyecto personal, ya que se nos da un amplio campo donde movernos, no estaría mal aparte de las tutorías individuales, unas nociones generales acerca del lenguaje audiovisual que nos ayudasen a enfocar nuestro trabajo en el caso de que nos encaminásemos hacia el vídeo-arte o el cortometraje.